SUISA-Workshop am «Soundtrack Zurich»

Fragen zur Vergütung für Online-Nutzungen von Musik in Filmen, Serien oder Werbung? Besuchen Sie den SUISA-Workshop am «Soundtrack Zurich» im Rahmen des Zürich Film Festivals. Text von Erika Weibel

SUISA-Workshop am «Soundtrack Zurich»

Workshop an der zweiten Ausgabe von «Soundtrack Zurich», der Fachveranstaltung zu Film- und Medienmusik, im Jahr 2021. (Foto: STZ / ZFF)

Bereits zum dritten Mal findet während des Zürich Film Festivals «Soundtrack Zurich» statt, eine mehrtägige Fachveranstaltung zu Film- und Medienmusik. Die Veranstaltung besteht aus Workshops, Panels und Case Studies zu aktuellen Themen der heutigen Film- und Medienmusikszene und will mit Networking Sessions die Vernetzung mit Business-Partnern/innen ebenso wie mit den internationalen Gästen des Zürich Film Festivals ermöglichen.

In Zusammenarbeit mit der SUISA bietet «Soundtrack Zurich» den Musikschaffenden auch eine Plattform an, um ihre Fragen zu Einnahmen im audiovisionellen Bereich zu klären. Kernthema des diesjährigen SUISA-Workshops ist die Vergütung für Online-Nutzungen von Musik in Filmen, Serien und Werbung.

SUISA-Workshop am Zürich Film Festival
Mittwoch, 28.9.2022, Festival Center (Sechseläutenplatz)
12:00 – 13:00 Uhr SUISA Digital Challenge: Vergütung für Online-Nutzungen von Filmen, Serien, Werbung
Hands-on Workshop in deutscher Sprache mit Irène Philipp (COO SUISA) und Michael Wohlgemuth (Legal Counsel/Licensing Manager SUISA)
Moderation: Martin Skalsky
Ein Video mit der Aufzeichnung von der Veranstaltung werden wir anfangs Oktober hier verlinken.

Die Schweizer Filmmusik-Konferenz «Soundtrack Zurich» wird kuratiert von Michael P. Aust («Soundtrack Cologne») und organisiert von FFM (Forum Filmmusik) in Zusammenarbeit mit der ZHdK (Zurich University of Arts) und «Soundtrack Cologne».

Das detaillierte Programm und Akkreditierungen für die Konferenz unter:
www.soundtrackzurich.com

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Fragen zur Vergütung für Online-Nutzungen von Musik in Filmen, Serien oder Werbung? Besuchen Sie den SUISA-Workshop am «Soundtrack Zurich» im Rahmen des Zürich Film Festivals. Text von Erika Weibel

SUISA-Workshop am «Soundtrack Zurich»

Workshop an der zweiten Ausgabe von «Soundtrack Zurich», der Fachveranstaltung zu Film- und Medienmusik, im Jahr 2021. (Foto: STZ / ZFF)

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Label Suisse: Ein buntes Feuerwerk aus Schweizer Musik

Vom 16. bis 18. September 2022 lädt das Festival Label Suisse zum 10. Mal ein, in Lausanne Schweizer Musik aus zahlreichen Sparten zu lauschen. Text von Erika Weibel

Label Suisse: Ein buntes Feuerwerk aus Schweizer Musik

Das dreitägige Festival Label Suisse rückt das Schweizer Musikschaffen ins Rampenlicht. (Foto: Tabea Hüberli & Dirk Hoogendoorn)

Label Suisse findet seit 2004 statt und überrascht bei jeder Austragung mit einer sehr vielseitigen Programmierung. Die bisher 700 000 Zuschauer bei 600 Konzerten und neun Ausgaben zeugen vom Erfolg des Festivals.

Das Festival öffnet alle zwei Jahre seine Tore und ist für das Publikum kostenlos, da die Kosten für die Musik von den Sponsoren getragen werden. 69 Konzerte auf 10 Bühnen: Das Programm präsentiert die musikalische Vielfalt der Schweiz und reicht von Klassik über Neue Volksmusik, Hip-Hop, Pop, Rock, Elektronik, Jazz und Experimentalmusik bis hin zu zeitgenössischer Musik. Das bunte Feuerwerk aus verschiedensten Genres verwandelt Lausanne während der Festivaltage zum Epizentrum der Schweizer Musik.

Geburtsstätte zahlreicher Kompositionen

Im Vorfeld von Label Suisse werden bei jeder Ausgabe Komponistinnen und Komponisten beauftragt, neue Werke zu schaffen, die während dem dreitägigen Festival uraufgeführt werden. Eine der Kreationen dieser Ausgabe entstand in Zusammenarbeit mit dem Radiosender RTS, um das Jubiläum von 100 Radio in der Schweiz zu feiern. Dabei handelt es sich um ein Gemeinschaftswerk von Yilian Cañizares und Arthur Hnatek, beide bereits mit dem Schweizer Musikpreis ausgezeichnet. Ein weiteres neu geschaffenes Werk namens «Dédale» wird vom L’Orchestre du Grand Eustache uraufgeführt. Antoine Auberson hat zudem mit dem Organisten Benjamin Righetti für das diesjährige Label Suisse «La Pastorale Alpine» komponiert. Auch das Orchester Harmonie Lausannoise hat sich mit Michel Godard zusammengetan und eine maßgeschneiderte Kreation mit Yumi Ito, Benz Oester und Lucas Niggli erarbeitet.

Der Pianist Colin Vallon wiederum hat Studenten der Hochschule Luzern und Zürich zusammengebracht, um gemeinsam eine neue Komposition zu schaffen. Die Künstlerin Lisa Tatin wird zudem am Sonntag, dem 18. September ein Werk zum Leben erwecken, bei dem sich die Grenzen zwischen Konzert und künstlerischer Performance verwischen.

Somit bietet Label Suisse sowohl den Interpretinnen und Interpreten als auch den Komponistinnen und Komponisten eine wichtige Bühne, was den Besuch des Festivals für das Publikum noch spannender macht.

Das detaillierte Programm und weitere Informationen auf der Website des Festivals:
www.labelsuisse.ch

Die SUISA ist Sponsor dieses vielseitigen und spannenden Festivals, welches den Fokus auf dem Schweizer Musikschaffen hat.

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Vom 16. bis 18. September 2022 lädt das Festival Label Suisse zum 10. Mal ein, in Lausanne Schweizer Musik aus zahlreichen Sparten zu lauschen. Text von Erika Weibel

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«Die Feinarbeit der Notation benötigt fast mehr Zeit als das Komponieren an sich» | mit Video

Aglaia Graf entwickelte für das Kompositionsprojekt «Schweizer Beethoven-Reflexionen» ein Konzept mit mehreren Sätzen. Diesen liegen je zwei, drei Motive oder Themen zugrunde, die von einem Werk Beethovens inspiriert sind. Text von Gastautor Markus Ganz; Video von Mike Korner

Aglaia Graf: Die Feinarbeit der Notation benötigt fast mehr Zeit als das Komponieren an sich»

Aglaia Graf während des Gesprächs über ihre Komposition im März 2020. (Foto: Manu Leuenberger)

Bei diesem Projekt war es kein einfaches Unterfangen für Aglaia Graf, den geeigneten Weg zu ihrer Komposition zu finden. Als erstes schaute sich die Komponistin und Pianistin aus Basel die Noten des von Beethoven verwendeten Schweizer Volkslieds an und las den Text. Dann ging sie mit dem Hund spazieren und sang das Lied – in der Erwartung, dass es etwas in ihr auslöse und zu ihrer Komposition inspiriere. «Doch irgendwie kam nichts, ich fand keinen griffigen Anknüpfungspunkt.» Auch nicht beim Studium von Beethovens Variationen. «Ich muss sagen, dass ich nicht so begeistert bin von diesem Werk, auch wenn man gut nachvollziehen kann, mit welchen Elementen er seine Variationen aufbaut.» Es sei sicher eine Art Studienwerk von ihm, und deshalb hat es mich für meine Komposition nicht direkt inspiriert.

Dann dachte Aglaia Graf, dass sie das allgemeine Element des Volkslieds aufgreifen könnte und suchte andere Schweizer Volkslieder, die sie ansprachen. «Ich fand sehr schöne, schaute, ob darunter Material sei, mit dem ich arbeiten könnte.» Doch auch davon wendete sie sich wieder ab. Sie kam zum Schluss, dass sie ein Konzept entwickeln müsse, um wirklich anfangen zu können. So entschloss sie sich, auf Beethoven im Allgemeinen einzugehen.

Auf die Frage nach der persönlichen Bedeutung von Ludwig van Beethoven stellt Aglaia Graf eine Gegenfrage: «Für welchen Musiker hat Beethoven keine spezielle Bedeutung?». Gerade im Leben eines Pianisten, einer Pianistin sei er von Anfang an wichtig und begleite einen das ganze Leben lang. «Man wächst an seiner Musik, man entwickelt sich mit ihr.» Er sei auch ein absoluter Referenzpunkt, wenn man komponiere. «Durch das Spielen seiner Werke lernt man indirekt auch kompositorisch enorm viel. Das ging auch mir so, bewusst wie auch unterbewusst, hat er sicher viele Spuren hinterlassen.»

Aglaia Graf hat bei Beethoven auch sonst spezielle Erfahrungen gemacht. «Wenn ich als Komponistin oder Pianistin über seinen Stücken sitze, kann es durchaus passieren, dass ich über wenigen Noten stundenlang brüte. Die Wahrnehmung einer bestimmten Stelle ist ein Erlebnis, die Zeitspanne enorm lang. Das Publikum aber, welches das Stück hört, erlebt diesen Moment in vielleicht zwei Sekunden.»

Für Aglaia Graf ist nicht nur die analytische Herleitung spannend. «Beethoven hatte wie fast kein anderer Komponist ein Gespür dafür, wie man seine Musik beim Hören zeitlich erlebt.» Als Komponistin geschehe es schnell, dass man – weil man so viel Zeit mit so wenig Noten verbringe – zu komplex werde und zu viel hineinpacke. Für die Zuhörerschaft sei es dann oft gar nicht mehr erlebbar in der kurzen Zeit, in der sie es hören. Bei Beethoven hingegen schon, das habe sie schon immer fasziniert. «Wenn man im Konzert sitzt, sieht, respektive hört man förmlich, wie ein Gebäude aufgebaut wird, ein Stein nach dem anderen. Das hat mich sehr geprägt, als Musikerin, als Komponistin, als Mensch.»

Mit dem Entscheid, mit ihrer Komposition auf Beethoven im Allgemeinen einzugehen, kam Aglaia Graf dann schnell vorwärts. Sie entwickelte das Konzept von mehreren Sätzen, denen je zwei, drei Motive oder Themen zugrunde liegen, die von einem Werk Beethovens inspiriert sind. «Das könnte auch für das Publikum reizvoll sein: als kleine Höraufgabe, von welchem Stück Beethovens eine solche Passage angeregt ist.» Sie begann mit einem Brainstorming danach zu suchen, welche Motive oder Themen einfliessen könnten: «welche sind mir im Gedächtnis, welche sind einem breiten Publikum bekannt, so dass sie einen Wiedererkennungseffekt haben». Davon traf sie eine Auswahl und überlegte sich, welche sich für welchen Satz eignen, damit sich eine sinnvolle Abfolge ergibt.

Zuerst wollte Aglaia Graf diese Motive und Themen nur als Anknüpfungspunkte verwenden. «Aber es ergab sich nun tatsächlich, dass im letzten Satz daraus Variationen entstanden sind.» Diese beziehen sich auf das Thema des letzten Satzes des «Gassenhauer-Trios» – womit sich der Kreis zu den sechs Variationen von Beethoven über das Schweizer Lied schliesst. «Mein erster Satz bezieht sich zudem auf den ersten Satz des ‹Gassenhauer-Trios›, enthält aber wie die anderen Sätze keine Variationen.» Aglaia Graf betont, dass sie die Motive von Beethoven natürlich nicht «1:1» übernommen habe. Beim volksliedhaften Thema im letzten Satz des «Gassenhauer-Trios» habe sie natürlich nicht die Melodie als Element übernommen, sondern «den Rhythmus und den Charakter, den ich leicht geändert habe – im Original tänzerisch-volksnah, bei mir humoristisch.»

Bereits Anfang 2020 war der Plan entstanden, vier kurze Trio-Sätze für Klavier, Cello und Klarinette zu schreiben. «Meine letzte Auftragskomposition war für Klarinette solo, so war ich schon in dieser Klangwelt. Ich spiele zudem mit dem englischen Cellisten Benjamin Gregor-Smith in einem Duo. So hat sich diese Besetzung herauskristallisiert; zudem schrieb auch Beethoven für diese Besetzung, eben das berühmte ‹Gassenhauer-Trio›.»

Zur Zeit des Gesprächs Mitte März 2020 hatte sie für diese Besetzung bereits grosse Teile des ersten, zweiten und vierten Satzes komponiert – «wenn auch teilweise erst im Hinterkopf», wie sie lachend anfügt. «Der erste Satz ist eigentlich fertig, auch im Notenbild mit allen Details, bei den anderen zwei Sätzen stehen erst die Noten. Die Feinarbeit der Notation, die in meinem Kopf längst klar ist, benötigt fast mehr Zeit als das Komponieren an sich.» Für den dritten Satz tendiert sie nun dazu, diesen als eine Art Interludium zum letzten Satz zu gestalten, vermutlich für Cello solo. Bei den Kompositionsteilen, die nicht auf Motiven basieren, «habe ich gewisse kompositorische Elemente, die bei Beethoven oder in der Klassik allgemein sehr wichtig sind, aufgegriffen, besonders im ersten Satz».

Aglaia Graf wurde 1986 in Basel geboren. Sie schloss dort ihr Konzertdiplom als Pianistin mit Auszeichnung ab und setzte ihr Studium in Wien und Paris fort. Sie besuchte Meisterkurse von Andràs Schiff, Paul Badura-Skoda, Dimitri Bashkirov, Klaus Hellwig u.v.a. Seit ihrem 15. Lebensjahr komponierte sie viele Werke, v. a. für Klavier und Cello/Klavier. Sie leitet eine Klavierklasse an der Musikakademie Basel und gibt Masterclasses wie zuletzt in Russland. 2006 wurde ihr der Europäische Kulturförderpreis verliehen. www.aglaiagraf.com
Schweizer Beethoven-Reflexionen: Ein Projekt von Murten Classics und der SUISA zum 250. Geburtstag von Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven hatte nur wenig mit der Schweiz zu tun. Aber er hat «Sechs Variationen über ein Schweizerlied» geschrieben, bei dem es sich um das Volkslied «Es hätt e Bur es Töchterli» handelt. Dies ist der Ausgangspunkt für Kompositionsaufträge, die die Sommerfestspiele Murten Classics zusammen mit der SUISA an acht Schweizer Komponistinnen und Komponisten verschiedener Generationen, Ästhetik und Herkunft vergeben haben.

Oscar Bianchi, Xavier Dayer, Fortunat Frölich, Aglaja Graf, Christian Henking, Alfred Schweizer, Marina Sobyanina und Katharina Weber konnten sich auf die Variationen, auf das von Beethoven verwendete Volkslied selbst oder auf Beethoven im Allgemeinen beziehen. Die Kompositionen wurden für das Ensemble Paul Klee geschrieben, das folgende Maximalbesetzung erlaubt: Flöte (auch Piccolo, G- oder Bassflöte), Klarinette (in B oder A), Violine, Viola, Cello, Kontrabass und Klavier.

Initiant dieses 2019 begonnenen Projekts war Kaspar Zehnder, der während 22 Jahren künstlerischer Leiter von Murten Classics gewesen war. Wegen der Corona-Krise und den von den Behörden verordneten Massnahmen war die Durchführung sowohl der 32. Ausgabe im August 2020 als auch des vorgesehenen Ersatzfestivals in den anschliessenden Wintermonaten nicht möglich. Der «SUISA-Tag» mit den acht Kompositionen dieses Projekts wurde – ohne Publikum – am 28. Januar 2021 im KiB Murten dennoch aufgeführt und aufgezeichnet. Die Aufnahmen waren bei Radio SRF 2 Kultur in der Sendung «Neue Musik im Konzert» zu hören und sind auf der Plattform Neo.mx3 erschienen. Im SUISAblog und auf den Social Media-Kanälen der SUISA ist das Projekt mit multimedialen Beiträge online dokumentiert.

www.murtenclassics.ch

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Aglaia Graf während des Gesprächs über ihre Komposition im März 2020. (Foto: Manu Leuenberger)

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Floating Notes Festival: abseits des Mainstreams

Am vergangenen Wochenende fand die zweite Ausgabe des Floating Notes Festivals in San Bernardino (GR) statt. Der Anlass bot dem Publikum auch dieses Jahr wieder experimentelle und avantgardistische Musik. Sechs Künstlerinnen und Künstler respektive Bands zeigten dem Publikum ein breites Spektrum musikalischen Schaffens. Die SUISA war auch dieses Jahr wieder Partnerin des Festivals. Text von Giorgio Tebaldi

Floating Notes Festival: abseits des Mainstreams

Das Floating Notes Festival bietet experimentelle und avantgardistische Musik im Fabrikgebäude der Mineralwasserquelle von San Bernardino auf 1600 Meter über Meer. (Foto: Giorgio Tebaldi)

Es braucht Mut, um in der Schweiz ein neues Musikfestival aus dem Boden zu stampfen; besitzen wir doch hierzulande eine der höchsten Festivaldichten weltweit. Und vor allem muss man sich bei dieser Fülle an Festivals differenzieren, um ein Publikum anzuziehen.

Klangexperimente

Genau das macht das Floating Notes Festival, das 2021 von der Komponistin und Harfenistin Kety Fusco in Leben gerufen wurde und am Wochenende des 22./23. Juli 2022 zum zweiten Mal stattfand. Das Festival will musikalische Grenzen sprengen und dem Publikum Künstlerinnen und Künstler präsentieren, deren Musik fernab des Mainstreams liegt. Im Zentrum steht experimentelle Musik. Und mit «experimentell» sind am Floating Notes nicht nur die Klänge gemeint, sondern auch die Instrumente. So spielte bei der ersten Ausgabe 2021 beispielsweise der Schweizer Klangkünstler Simon Berz auf seinem Instrument «Tectonic», das er aus vulkanischen Klangsteinen aus Island gebaut hat. Bei der diesjährigen Ausgabe präsentierte der Berner Komponist, Akkordeonist und Klangkünstler Mario Batkovic nach dem Set auf dem traditionellen Akkordeon auch sein eigen konstruiertes «digitales Akkordeon».

Experimentelle und avantgardistische Musik gab es auch von den anderen Künstlerinnen und Künstlern am Floating Notes Festival. Am ersten Abend spielten die Zürcher Komponistin und Klangkünstlerin Noémi Büchi, die Westschweizer Komponistin, Künstlerin, Perkussionistin und Preisträgerin des Schweizer Musikpreises Béatrice Graf sowie das Tessiner Künstlerkollektiv Niton (Zeno Gabaglio, El Toxyque und Luca Xelius Martegani). Am zweiten Abend standen neben Mario Batkovic auch die italienische Songwriterin und Musikerin Marta del Grandi mit ihren Mitmusikerinnen auf der Bühne sowie Víz, das Solo-Projekt der in Zürich ansässigen Komponistin, Künstlerin, Musikerin und Performerin Réka Csiszér.

Musik an der Quelle

Ebenso wenig Mainstream wie die Musik und die Künstler/innen ist auch der Ort: Das Festival findet jeweils im Fabrikgebäude der Mineralwasserquelle von San Bernardino auf 1600 Meter über Meer statt – rund 40 Minuten Fahrt von Bellinzona und eine Stunde von Chur entfernt. Das italienischsprachige Dorf im Kanton Graubünden ist vielen vor allem als Tourismusort bekannt – mit dem Floating Notes Festival kommt nun auch noch eine kulturelle Attraktion hinzu.

www.floating-notes.com

Die SUISA ist seit der ersten Ausgabe Sponsoringpartnerin des Floating Notes Festivals.

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«Songs müssen für mich eine lyrische Tiefe haben»

Am 25. Mai 2022 wird an den Swiss Music Awards per Publikumsvoting auch der «Best Hit» für die beste Komposition ermittelt. Nominiert für die von der SUISA präsentierte Auszeichnung sind Zian, Joya Marleen und Lo & Leduc. Wir haben bei Zian und Henrik Amschler nachgefragt, welche Rolle der Text für den Song «Show You» spielt. Interview von Gastautor Markus Ganz

Zian und Henrik Amschler: «Songs müssen für mich eine lyrische Tiefe haben»

Zian (links) und Henrik Amschler. (Fotos: Jen Ries; Nina Müller)

Wie wichtig sind eurer Meinung nach die Lyrics für einen Song?

Zian: Für mich ist ganz klar: Die Lyrics sind entscheidend, ob ein Song sich länger halten kann oder nicht. Alle Songs, die über Jahrzehnte immer wieder angehört werden, sind Songs, die auch eine lyrische Tiefe haben. Deshalb sind Texte extrem wichtig. Kurzfristig mag ihre Bedeutung gleich gross wie die der Musik sein, was der Tantièmen-Aufteilung der SUISA entspricht. In längerer Hinsicht sind Texte aber wohl wichtiger, weil sie eine zusätzliche Ebene schaffen.

Ist die Musik bzw. der Sound also vergänglicher als ein guter Text?

Zian: Ich glaube, dass der Sound vor allem den Text unterstreicht. Wer zuhört, muss sich in einem Sound finden, der den Text unterstützt. Den alleinstehenden Text kann man zwar als Poesie verstehen, wenn es ein guter Text ist. Aber wir zielen ja darauf hin, in drei Minuten eine Geschichte zu erzählen, die vielleicht über mehrere Jahre passiert ist.
Henrik Amschler: Ich finde Vergänglichkeit nicht schlecht. Texte sind aber per se nicht so vergänglich wie Musik, die immer auch Trends folgt. Dies ist jedoch stark abhängig von den Künstlern und der Art ihrer Musik; in der Dancemusic etwa braucht es keine Tiefe in den Texten – sie soll zum Tanzen animieren. Bei Künstlern wie Zian ist es hingegen sehr wichtig, was sie in den Texten sagen, entsprechend sind die Songs weniger vergänglich.

Mit englischen Texten erweitert ihr den potentiellen Hörerkreis. Aber wären Mundarttexte nicht naheliegender beim Schreiben?

Henrik Amschler: Man darf nicht vergessen, dass sowohl der Schweizer Musikmarkt wie auch die Leute in der Schweiz allgemein stark international beeinflusst sind, vor allem vom englischen Sprachraum. Das heisst, bei gewissen Stilrichtungen kann man mit Texten in Englisch auf einer anderen Ebene starten, als dies mit Mundarttexten der Fall wäre. Viele Schweizer Künstler haben auch gezeigt, dass man zuerst im Ausland Erfolg haben muss, damit man in der Schweiz überhaupt wahrgenommen, auch ernstgenommen wird.

Habt ihr eine typische Vorgehensweise beim Schreiben von Songtexten?

Henrik Amschler: Tendenziell kann man schon sagen, dass wir ein Muster haben. Oft stellt mir Zian eine Idee vor und fragt nach meiner Meinung. Wenn ich begeistert bin, sage ich «Let’s go», sonst diskutieren wir weiter. Im Prozess bin ich dann aber eher für die musikalischen Aspekte zuständig. Zian steht immer im Mittelpunkt, denn der Text muss von ihm, aus seiner Persönlichkeit herauskommen.
Zian: Ja, denn er muss ehrlich sein.

Die Glaubwürdigkeit der Zian-Songs hängt also davon ab, dass man beim Hören spürt, dass Zian über etwas Persönliches singt?

Henrik Amschler: Die lyrische Absicht muss immer klar erkennbar von ihm kommen, deshalb ist er beim Text mehr involviert als ich; ich habe mehr eine stützende Funktion. Der Song «Show You» ist denn auch aus einer persönlichen Geschichte von Zian heraus entstanden, wie eigentlich alle unsere Lieder.

Was ist üblicherweise der Triggerpunkt für einen Text, für einen Song?

Beide: Das kann alles sein.
Zian: Oft ist es irgendeine Situation, und dann spürt man plötzlich, dass da etwas ist und dass man daran weiterarbeiten kann.
Henrik Amschler: Bei Zian merkt man auch beim Schreiben der Texte, dass er sehr musikalisch ist, er ist ja ein Multiinstrumentalist.
Zian: Es ist für mich vor allem eine starke Gefühlssache, da ist viel Herz dabei.
Henrik Amschler: Oft entscheidet auch, auf was wir gerade Lust haben, was gerade im Kopf ist und raus muss, in einen Text gefasst werden will, und dann machen wir die Musik dazu.
Zian: Oft kristallisiert sich dann ein Wort heraus, und wir spüren, in welcher Welt sich dieser Song befindet, das kann traurig sein und sich dann doch Richtung «happy» entwickeln.

Entwickelt ihr Musik und Text dann parallel weiter?

Zian: Ja, bis zu einem gewissen Punkt, wo es sich dann lohnt, den Text festzulegen, weil wir die Welt des Songs definiert haben; bis dahin ist ein Teil des Textes noch unverständliches «Mumble-Englisch».
Henrik Amschler: Ja, wenn wir die Rahmenbedingungen des Songs festgelegt haben, gehen wir tiefer in die Lyrics, und auch tiefer in die Produktion.

Müsst ihr Texte manchmal noch an eine fortgeschrittene Produktion anpassen?

Zian: Kaum, denn irgendwann ist der Text fertig; die Perfektion anstreben ist gut, aber erreichen kann man sie nicht. Er muss vor allem vom Gefühl her stimmen, und natürlich zur Musik passen, der Welt, die wir mit diesem Song geschaffen haben.
Henrik Amschler: Für mich ist klar: Ich priorisiere stets Zian mit seiner einzigartigen Stimme und seinen tiefgründigen Texten.
Zian: Man muss aber auch verstehen, dass wir uns im Popbereich bewegen, allzu komplex und abstrakt sollte der Text nicht werden – die Leute sollen ihn verstehen können. Je mehr Wörter man braucht, desto weniger Interpretationsspielraum haben die Leute beim Anhören.

«Show You»
Kompositon und Text: Tizian Hugenschmidt, Henrik Amschler.

www.zianmusic.com
www.henrik-hsa-amschler.ch

Swiss Music Awards: SUISA ehrt die Songwriter/innen des «Best Hit»
In der Kategorie «Best Hit» werden an den Swiss Music Awards jeweils die erfolgreichsten nationalen Songs der Schweizer Hitparade des Vorjahres nominiert und das Siegerlied wird während der TV-Show per Publikumsvoting ermittelt. Die SUISA ist dieses Jahr zum ersten Mal Presenting Partner des «Best Hit»-Award und stellt die Arbeit der Songwriterinnen, Songwriter, Textautorinnen und Textautoren des Siegersongs in den Vordergrund. 2022 sind in der Kategorie «Best Hit» die Songs «Show You», «Tribut» und «Nightmare» nominiert. (Text: Giorgio Tebaldi)
www.swissmusicawards.ch
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Lo und Leduc. (Foto: Maximilian Lederer)

Wie wichtig sind eurer Meinung nach die Lyrics für einen Song?

Lo: Darüber kann man sich streiten. In unserem Fall sind sie aber wichtig; ich habe sicher ein grösseres Talent für Texte als für Gesang. Aus unserer Sicht ist Musikmachen mit schweizerdeutschen Texten grundsätzlich anspruchsvoller als mit englischen Texten, weil diese automatisch eine grössere Distanz zum Inhalt schaffen. Und mit Mundarttexten macht man Musik für ein vergleichsweise sehr kleines Publikum.
Leduc: Die Texte sind für uns das primäre Handwerk.

Habt ihr eine typische Vorgehensweise beim Schreiben der Songtexte?

Lo: Sehr unterschiedlich, es ist alles möglich. Meistens hat einer von uns eine Idee – das kann auch schon ein Refrain oder eine Melodie sein. Danach arbeiten wir teilweise einzeln, manchmal auch bereits zusammen. Spätestens gegen Schluss finalisieren wir alle Texte gemeinsam. Manchmal heisst das Feinschliff, manchmal aber auch: Wir schreiben die zweite Strophe und müssen dann die erste neu schreiben. Es gibt kein fixes Vorgehen, das Einzige, was sich eingebürgert hat, ist, dass ich ein Textarchiv führe und Luc ein Fotoarchiv.
Leduc: Es ist fast schon krankhaft, wie ich versuche, unsere Momente zu kategorisieren, weil ich Struktur benötige, um innerhalb der Ordner denken und arbeiten zu können. Es ist oft sehr spannend, wenn man derart eine neue Idee beim anderen platzieren kann. Wichtig ist auch, dass wir eigene Perspektiven einbringen. Mit einem neuen Ansatz sammelt man nicht nur Einfälle, man filtert unbewusst auch die Einfälle heraus, die für das Lied in Frage kommen könnten. Dann lassen wir der Songidee jeweils Zeit, zu gären, und köcheln die Idee später zusammen ein.

Die Musik des Songs «Tribut» stammt vom Produzenten-Team Jugglerz. Wie lief die Zusammenarbeit ab, gerade auch die Abstimmung von Text und Musik?

Lo: Dieses Lied ist ein Spezialfall. Die Idee zum Text ist etwa zehn Jahre alt, blieb aber unvollendet und deshalb liegen. Als wir 2020/21 mit den Jugglerz zu arbeiten begannen, haben wir sehr viele Beats und Songskizzen von ihnen durchgehört und sind dabei auf ein Gitarrenriff gestossen, das uns gepackt hat: Das passt zu diesem uralten Text! Also haben wir ihn wieder hervorgenommen, umgeschrieben und an die Musik angepasst.

War diese alte Textfassung ohne Musik?

Lo: Nein, es gab bereits Musik dazu, und wir haben in den letzten zehn Jahren einige Male versucht, einen Song daraus zu machen, sind aber immer stecken geblieben.
Leduc: Es ist ein schönes Beispiel dafür, dass die Zeit für einen Song manchmal noch nicht reif ist. «Tribut» enthält nun die älteste Zeile des aktuellen Albums «Mercato», aber auch die neuste: Der Schluss des Refrains war der letzte Teil, den wir für das Album geschrieben haben, ein grosser Spagat also.

Wie klar war die Zusammenarbeit mit den Jugglerz definiert?

Leduc: Manchmal verwischt die Arbeitsteilung zwischen Musik und Text, hier aber haben wir klar vorgängige Versionen gezeigt und festgestellt, dass ihre Skizzen zu unseren passen. Und dann haben wir unseren Text an den neuen Beat von ihnen angepasst.

«Tribut» hat einen vielschichtigen Text darüber, was Songs ausdrücken können und was nicht. Was war der Ausgangspunkt der ursprünglichen Version?

Lo: Die Grundidee ist am Anfang der ersten Strophe zu finden: das Gefühl, ein Liebeslied zu schreiben im Wissen, dass man der Liebe damit nicht gerecht werden kann, dieser Widerspruch. Da heisst es «aber Liebi isch kes Lied»; dies öffnet die Welt für dieses Lied und endet, dass Musik eben doch ein Vehikel ist, um solche Gefühle einzufangen, aber nicht so direkt.
Leduc: Textlich war wirklich schon alles vorhanden in der sehr frühen Version. Mir haben dann den Aspekt der Musik noch verstärkt, dass sie eine Art Datenspeicher von Erinnerungen ist, sogar wenn keine Musik ertönt: Bei Vinyl oder Kassetten kann man sogar die Pausen zwischen den Songs erkennen und in das Gesamte einordnen.

Wie weit haben sich in der Entwicklung des Songs dann euer Text und die Musik der Jugglerz gegenseitig beeinflusst?

Lo: Zuerst haben wir die Tonart ihrer Beat-Skizze angepasst, die ein rund 30-sekündiger Loop ohne Arrangement war. Dann haben wir den Text angepasst und zusammen mit Jonas Lang im Studio das Arrangement festgelegt: die Längen von Strophe, Pre-Chorus etc. Danach mussten wir den Refraintext praktisch neu schreiben, weil der nicht mehr funktionierte. Den Text an die Musik anpassen mussten wir auch am Schluss nochmals, wo die Ursprungsversion der Beat-Skizze zu hören ist.
Leduc: Darin zeigt sich schön, dass die Erinnerung an diesen ursprünglichen Beat zum Song geführt hat.

Oft entwickelt ein Songtext erst mit der Musik seine Wirkung, seinen Sinn. Was trägt die Musik zur Wirkung des eigentlich selbsterklärenden Textes von «Tribut» bei?

Leduc: Sie setzt den Text in einen Kontext; ein schönes Beispiel ist der Moment, wo sie am Schluss bricht und zur Moll-Paralleltonart wechselt: Das Bekannte wechselt in eine Art Parallelwelt.
Lo: Ich glaube schon vorher. Die Stimmung ist nicht traurig, aber es liegt eine gewisse Wehmut in der Musik.
Leduc: Ja, ich habe das Gefühl, dass die sehr konsequente Trap-Ästhetik hilft, eine Art Gegenpol zu schaffen, eine Balance zu finden, damit daraus nicht ein nostalgisches Lied wird, was im Mundartpop viel zu häufig passiert.

«Tribut»
Komposition: Jonas Lang (DJ Jopez), Joachim Piehl (Sir Jai), Martin Willumeit (DJ Meska) (Produzenten-Team bekannt als Jugglerz).
Text: Lorenz Häberli (Lo), Luc Oggier (Leduc).

www.lo-leduc.ch

Swiss Music Awards: SUISA ehrt die Songwriter/innen des «Best Hit»
In der Kategorie «Best Hit» werden an den Swiss Music Awards jeweils die erfolgreichsten nationalen Songs der Schweizer Hitparade des Vorjahres nominiert und das Siegerlied wird während der TV-Show per Publikumsvoting ermittelt. Die SUISA ist dieses Jahr zum ersten Mal Presenting Partner des «Best Hit»-Award und stellt die Arbeit der Songwriterinnen, Songwriter, Textautorinnen und Textautoren des Siegersongs in den Vordergrund. 2022 sind in der Kategorie «Best Hit» die Songs «Tribut», «Show You» und «Nightmare» nominiert. (Text: Giorgio Tebaldi)
www.swissmusicawards.ch
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Am 25. Mai 2022 wird an den Swiss Music Awards per Publikumsvoting auch der «Best Hit» für die beste Komposition ermittelt. Nominiert für die von der SUISA präsentierte Auszeichnung sind Lo & Leduc, Zian und Joya Marleen. Wir haben bei Lo & Leduc nachgefragt, welche Rolle der Text für den Song «Tribut» spielt. Interview von Gastautor Markus Ganz

Lo und Leduc: «Die Musik setzt den Text in einen Kontext»

Lo und Leduc. (Foto: Maximilian Lederer)

Wie wichtig sind eurer Meinung nach die Lyrics für einen Song?

Lo: Darüber kann man sich streiten. In unserem Fall sind sie aber wichtig; ich habe sicher ein grösseres Talent für Texte als für Gesang. Aus unserer Sicht ist Musikmachen mit schweizerdeutschen Texten grundsätzlich anspruchsvoller als mit englischen Texten, weil diese automatisch eine grössere Distanz zum Inhalt schaffen. Und mit Mundarttexten macht man Musik für ein vergleichsweise sehr kleines Publikum.
Leduc: Die Texte…Weiterlesen

«Wenn alles klar verständlich wäre, würde der Text langweilig»

Am 25. Mai 2022 wird an den Swiss Music Awards per Publikumsvoting auch der «Best Hit» für die beste Komposition ermittelt. Nominiert für die von der SUISA präsentierte Auszeichnung sind Joya Marleen, Lo & Leduc und Zian. Wir haben bei Joya Marleen und Thomas Fessler nachgefragt, welche Rolle der Text für den Song «Nightmare» spielt. Interview von Gastautor Markus Ganz

Swiss Music Awards: «Wenn alles klar verständlich wäre, würde der Text langweilig»

Joya Marleen und Thomas Fessler. (Fotos: Rouven Niedermaier; Emanuel Muhl)

Wie wichtig sind eurer Meinung nach die Lyrics für einen Song?

Joya Marleen: Mega wichtig, die Lyrics sind essentiell! Olivia Rodrigo etwa hat sehr schöne, aber auch direkte, krasse Lyrics geschrieben, wo alles zusammenpasst, auch Amy Winehouse hat mich mit der sehr persönlichen Ehrlichkeit ihrer Texte beeindruckt.
Thomas Fessler: Ja, die Lyrics sind sehr wichtig, das zeigt nicht zuletzt, dass ihr Tantièmen-Anteil bei der SUISA 50 Prozent beträgt, also gleich viel wie derjenige der Musik.

Habt ihr eine typische Vorgehensweise beim Schreiben der Songtexte?

Joya Marleen: Ich gehe gerne von Wörtern aus, die irgendwie gut tönen oder eine Idee vermitteln, wohin sich der Song entwickeln soll oder wie eine Geschichte aussieht. Dementsprechend habe ich dann vielleicht drei Wörter, die im Song vorkommen müssen und dazu kommen dann die Gefühle, die dazugehören. Daraus kann sich dann der Song bilden. Aber meistens schreibe ich zuerst die Melodie zu den drei Wörtern.
Thomas Fessler: In diesen Wörtern ist bereits die Stimmung des Songs enthalten. Der Rest ist zunächst «Joghurttext»: unverständlicher oder sinnloser Text für die Stellen, wo der Text noch nicht feststeht.

Der nominierte Song «Nightmare» (Albtraum) zeigt, wie wichtig ein einziges Wort sein kann und bereits viele Emotionen auslösen kann. Joya, brachte das Wort Nightmare die Initialzündung für den Text des gleichnamigen Songs?

Joya Marleen: Ja, zusammen mit «Hold on, hold on», das ergibt schon fast einen Seemanns-Vibe, ein Albtraum auf einem Schiff, diese Atmosphäre passt gut.

Entstand die Musik daraus, quasi aus dem Schaukeln dieser drei Worte?

Thomas Fessler: Joya hatte diesen Refrain, die Kombination dieser Wörter und der Melodie, in einer Vorversion mit dem Smartphone aufgenommen und mir geschickt. Und ich dachte, uh, das ist etwas Besonderes, daraus kann man einen tollen Song machen.
Joya Marleen: Zu Beginn hatte der Song einen starken Reggae-Einschlag …

… der immer noch leicht herauszuhören ist in der rhythmischen Betonung, im Schaukeln dieser drei Wörter …

Beide: Ja!

Joya, wusstest du schon beim Wort «Nightmare», um was es in diesem Song gehen soll? Oder hat sich der Sinn des Songs erst nach und nach entwickelt?

Joya Marleen: Ich wollte, dass aus diesem Wort eine bizarre Stimmung entsteht. Deshalb habe ich diese Person beschrieben, die auf einen Albtraum wartet, weil es ihr langweilig ist. Der Albtraum ist für sie essentiell im Leben, sie sucht eine toxische Herausforderung. Der Song klingt bizarr, ist aber eigentlich sehr melancholisch, trotz der gegensätzlichen Gesangsstelle «Hold on!», und dies erzeugt eine Spannung.

Entstand der Rest des Textes dann parallel zur Musik?

Thomas Fessler: Joya hat während der Musikaufnahme auch am Text gefeilt, hier auf dem Sofa des Regieraums – und ihn dann auf der Heimfahrt im Zug fertig geschrieben, so wie sie es jeweils macht … Der Text hat keine klare Storyline, schafft eher eine Stimmung, ist quirlig und frisch, etwas schräg und auch etwas chaotisch. Das ist auch gut so, denn wenn alles klar verständlich wäre, würde der Text langweilig. Man muss sich beim Zuhören noch etwas vorstellen können.

«Nightmare»
Komposition: Joya Marleen und Thomas Fessler.
Text: Joya Marleen.

www.joyamarleen.com
www.571.ch

Swiss Music Awards: SUISA ehrt die Songwriter/innen des «Best Hit»
In der Kategorie «Best Hit» werden an den Swiss Music Awards jeweils die erfolgreichsten nationalen Songs der Schweizer Hitparade des Vorjahres nominiert und das Siegerlied wird während der TV-Show per Publikumsvoting ermittelt. Die SUISA ist dieses Jahr zum ersten Mal Presenting Partner des «Best Hit»-Award und stellt die Arbeit der Songwriterinnen, Songwriter, Textautorinnen und Textautoren des Siegersongs in den Vordergrund. 2022 sind in der Kategorie «Best Hit» die Songs «Nightmare», «Tribut» und «Show You» nominiert. (Text: Giorgio Tebaldi)
www.swissmusicawards.ch
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Auszeichnung für Songwriter bei den Swiss Music AwardsAuszeichnung für Songwriter bei den Swiss Music Awards | mit Video Der Newcomer Nickless und der renommierte Produzent Thomas Fessler gewannen den ersten Preis für Songwriter bei den Swiss Music Awards 2016. Der gemeinsam komponierte Siegersong «Waiting» ist nicht vom Himmel gefallen sondern bedeutete viel Arbeit im Teamwork. Auch bei den Swiss Music Awards 2017 zeichnet die SUISA die Leistung der Komponisten und Textautoren mit einer Auszeichnung aus. Weiterlesen
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Bewerbungen für das SUISA Songwriting Camp 2022 | mit Video

Zum fünften Mal organisiert die SUISA in Zusammenarbeit mit Pele Loriano Productions ein Songwriting Camp. Es findet vom 4. bis 6. Juli 2022 in den Powerplay Studios in Maur bei Zürich statt. SUISA-Mitglieder können sich für eine Teilnahme bewerben. Text von Manu Leuenberger; Video von Mike Korner

Am SUISA Songwriting Camp werden in Teams von jeweils drei bis fünf Personen Popsongs komponiert. Die Teams werden vom künstlerischen Leiter des Camps zusammengestellt. Am Morgen wird bei null begonnen, bis am Abend des gleichen Tages muss ein vollständiger Demotrack fertig und aufgenommen sein.

Der musikalische Stil der Songs kann alle Ausprägungen des zeitgemässen Pop umfassen, der auch in der Hitparade, auf Streamingplattformen oder in Radio/TV erfolgreich sein könnte. Die Songs sollen einerseits für den Eurovision Song Contest verwendbar sein und andererseits auch Verlagen und Interpreten angeboten werden können.

Um diese anspruchsvolle Aufgabe im Team mit Profi-Songwriter/innen und -Produzenten/innen aus dem In- und Ausland erfüllen zu können, muss man über gefestigte musikalische Kenntnisse verfügen, unter Zeitdruck eine kreative Leistung von hohem Niveau abliefern können und für Kritik und Austausch mit den Mitkomponistinnen und Mitkomponisten offen sein.

Das fünfte SUISA Songwriting Camp findet statt vom 4. bis 6. Juli 2022 in den Powerplay Studios in Maur bei Zürich. Organisiert wird die Veranstaltung von der SUISA in Zusammenarbeit mit Pele Loriano Productions. Pele Loriano Productions ist im Auftrag der SUISA für die künstlerische Leitung des Songwriting Camps zuständig.

Bewerbungen für das SUISA Songwriting Camp 2022

SUISA-Mitglieder können sich für eine Teilnahme am SUISA Songwriting Camp 2022 bewerben. Du bist Produzentin oder Produzent, Songwriterin oder Songwriter (Topliner), Textautorin oder Textautorin und du glaubst, die Anforderungen in Bezug auf musikalisches Handwerk und Fähigkeiten zu erfüllen? Dann schicke uns deine Bewerbung, die Folgendes enthalten sollte:

  • eine Kurzbiographie;
  • aussagekräftige Referenzsongs (mp3-Dateien oder Internet-Links);
  • Kontaktangaben.

Die Bewerbungen sind per Mail zu schicken an die Adresse: songwritingcamp (at) suisa (dot) ch
Einsendeschluss für Bewerbungen ist am: Sonntag, 8. Mai 2022

Wichtig: Über dieses Bewerbungsverfahren werden ausschliesslich Teilnahmeplätze an SUISA-Mitglieder vergeben. Wer sich bewirbt, sollte gewährleisten können, dass er an einem oder mehreren der Veranstaltungstage (4. – 6. Juli 2022) für eine Teilnahme zur Verfügung steht. Vorderhand ist die Durchführung des Camps mit physischer Teilnahme aller Beteiligten vor Ort in den Powerplay Studios geplant. Über nötige Schutzmassnahmen oder eine allfällige hybride Durchführung werden alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer rechtzeitig informiert.

Termine und Auswahl der Teilnehmerinnen und Teilnehmer

Die Auswahl aller Künstlerinnen und Künstler, die zum Camp eingeladen werden, erfolgt durch die künstlerische Leitung. Eine geeignete Zusammensetzung der Teilnehmerinnen und Teilnehmer ist für den kreativen Erfolg der «Songwriting sessions» von entscheidender Bedeutung.

Zusagen respektive Einladungen und weitere Informationen zur Teilnahme am SUISA Songwriting Camp 2022 werden bis am 26. Juni 2022 persönlich durch den künstlerischen Leiter mitgeteilt.

Es werden keine Absagen verschickt. Wer bis zum 26. Juni 2022 keine Zusage erhalten hat, konnte für die Teilnahme am Songwriting Camp 2022 nicht berücksichtigt werden.

Erfahrungsgemäss wird die Anzahl der Bewerbungen die Zahl der zur Verfügung stehenden Teilnahmeplätze übersteigen. Zu beachten ist, dass durch die Bewerbung zu keiner Zeit ein Anspruch auf eine Teilnahme entsteht. Über die Platzvergabe wird ausserdem keine Korrespondenz geführt. Zur Durchführung von weiteren von der SUISA unterstützten Songwriting Camps können derzeit noch keine Angaben gemacht werden.

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«Répondez-Moi»: Dritter Schweizer ESC-Song aus dem SUISA Songwriting Camp«Répondez-Moi»: Dritter Schweizer ESC-Song aus dem SUISA Songwriting Camp Mit «Répondez-Moi» schickt die Schweiz zum ersten Mal seit 2010 wieder einen französischsprachigen Beitrag zum Eurovision Song Contest. Geschrieben wurde der Song von Gjon Muharremaj (Gjon’s Tears) und den SUISA-Mitgliedern Alizé Oswald und Xavier Michel vom Duo Aliose zusammen mit dem belgischen Produzenten Jeroen Swinnen am SUISA Songwriting Camp. Weiterlesen
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  1. Argyle Singh Koncon sagt:

    Argyle here!

    Would love to join again this year!

    Cheers
    A.

    • Manu Leuenberger sagt:

      Dear Argyle
      We are pleased that you enjoyed your last participation in our camp. The best thing is to send us your dossier with your application so that we can forward it to the artistic director for the selection.
      Kind regards, SUISA Communication Department

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SUISA-Panel am M4music: Welchen Einfluss hat Streaming aufs Songwriting? │ mit Video

Musik wird heute häufig über Streaming-Plattformen konsumiert. Bei Millionen von verfügbaren Songs gehen einzelne Stücke rasch einmal unter. Und oft müssen Songs die Hörerin oder den Hörer in den ersten Sekunden packen – der nächste Song ist nur einen Klick entfernt. Beeinflusst der Streaming-Vertriebskanal das Songwriting? Diese Frage wird am SUISA-Panel am M4music Festival 2022 diskutiert. Text von Giorgio Tebaldi; Video von Lisa Burth

Vorbei sind die Zeiten, in denen die Musikkonsumentinnen und -konsumenten ein Album vom ersten bis zum letzten Song durchhörten. 2021 machten laut dem Branchenverband Ifpi CDs und Schallplatten in der Schweiz etwas mehr als 10% der Musikverkäufe aus, die restlichen 90% fallen auf den Online-Bereich, davon über 80% auf Streaming.

Die Verlagerung von Tonträgern zu Streaming ist für die Künstler/innen in mehrerer Hinsicht relevant. Bei den CDs und LPs erfolgt die Entlohnung für die Vervielfältigung und den Verkauf von physischen Einheiten in kompletter Form. Heute werden die Urheber/innen, Interpreten/innen und Produzenten/innen für einzelne Streams bezahlt; und diese zählen nur, wenn ein Stück für mindestens 30 Sekunden angehört wird. Die Krux dabei ist: Für die Musikkonsumentinnen und -konsumenten ist das nächste Stück nur einen Klick entfernt. Für die Songwriter/innen und Interpreten/innen bedeutet dies, dass sie die Hörer/innen schon in den ersten Sekunden eines Songs überzeugen müssen weiterzuhören.

Einen ersten Einblick wie Komponistinnen und Komponisten mit dem heutigen Verhalten der Hörer/innen umgehen, gibt die Zürcher Musikerin Evelinn Trouble im Videointerview.

SUISA-Panel am M4music: «How Streaming is Changing Songwriting»

Welchen Einfluss das geänderte Musik-Konsumverhalten für Songwriter/innen und Labels hat, wird am SUISA-Panel am diesjährigen M4music Festival diskutiert. Unter dem Titel «How Streaming ist Changing Songwriting» diskutieren Komponistinnen, Komponisten, Produzenten und Label-Verantwortliche darüber, welchen Einfluss Streaming hat auf die Art und Weise, wie Songs geschrieben, produziert und veröffentlicht werden.

Die Panelteilnehmer/innen sind:

  • Evelinn Trouble, Songwriterin, Sängerin, Produzentin und Visual Artist aus Zürich
  • Julie Born, Managing Director von Sony Music Schweiz
  • Henrik Amschler aka HSA, Songwriter und Produzent aus Zürich
  • Loris Cimino, Produzent und Songwriter aus Frankfurt/Zürich

Moderiert wird das Panel von Nina Havel.

Das SUISA-Panel findet am Freitag, 25. März 2022 um 16:00 Uhr in der Matchbox im Zürcher Schiffbau statt. Das Panel ist kostenlos und frei zugänglich.

Das M4music Festival 2022

Nachdem das Festival aufgrund der Corona-Pandemie 2020 abgesagt werden musste und 2021 in verkleinert Form durchgeführt wurde, findet das Popmusikfestival des Migros-Kulturprozent dieses Jahr wieder in gewohnter Form am Freitag und Samstag, 25.und 26. März 2022, im Schiffbau in Zürich statt. Neben Podiumsdiskussionen, Workshops und Panels zu aktuellen Themen des Musikbusiness treten am Festival auch zahlreiche Schweizer und internationale Künstler/innen auf.

www.m4music.ch

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Rappenspalten im digitalen MusikvertriebRappenspalten im digitalen Musikvertrieb Das Geschäft im Online-Bereich ist – nicht nur für Urheberrechtsgesellschaften – durch einen dauernden Wandel geprägt. Im zweiten Teil des Gesprächs macht SUISA-CEO Andreas Wegelin einen Ausblick, was der heutige Stand ist und über welche Szenarien diskutiert wird. Weiterlesen
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«Musicians in Conversation»: Podcast von Helvetiarockt

Unter dem Titel «Musicians in Conversation» lancierte Helvetiarockt, die Schweizer Koordinationsstelle und Vernetzungsplattform für Musikerinnen im Jazz, Pop und Rock, im Dezember 2020 eine Podcast-Reihe. Ab Freitag, 7. Januar 2022, läuft die zweite Staffel. Im Zentrum steht das Sichtbarmachen von Vorbildern sowie die Vernetzung innerhalb der Schweizer Musikszene. Die SUISA ist Partnerin der neuen Podcast-Reihe. Text von Giorgio Tebaldi

«Musicians in Conversation»: Podcast von Helvetiarockt

In der ersten Episode des Helvetiarockt-Podcasts spricht die Musikerin und Tontechnikerin Anna Murphy über den kreativen Prozess beim Songwriting und ihren Weg zur Tontechnikerin – und ermuntert andere Frauen dazu, ebenfalls einen Weg in die Musikproduktion einzuschlagen. (Foto: Valentina Mahler)

Anna Murphy, La Nefera, Jessiquoi und Jasmin Albash – dies sind einige der weiblichen, non-binären, trans oder intersex Musiker/innen und DJs, die in der zweiten Staffel des Podcasts «Musicians in Conversation» von Helvetiarockt zu Wort kommen. Im Podcast wird über Musik im Allgemeinen, kreative Prozesse und Erfahrungen im Musikbusiness gesprochen. Mit diesem Angebot will Helvetiarockt für Musiker/innen eine Vielzahl an Vorbildern schaffen.

Die Podcast-Gäste und ihre Geschichten haben Vorbildcharakter und machen Mut. Sie zeigen auf, dass es verschiedene Wege und Möglichkeiten gibt, sich in der Musikwelt professionell zu bewegen, und dass niemand allein ist, der diesen Schritt wagen will. Der Podcast richtet sich allerdings nicht nur an aufstrebende Musiker/innen, sondern will grundsätzlich inspirieren und erlaubt allen – auch Nicht-Musiker/innen – einen Blick hinter die Kulissen des Musikbusiness.

Die Interviews führt die in Genf ansässige Londoner Musikerin, DJ und Journalistin Natalia Anderson. «Wir versuchen zu entmystifizieren und aufzuzeigen, wie unterschiedlich man sich in der Musik involvieren kann», wird Natalia Anderson in der Medienmitteilung von Helvetiarockt zitiert. «Mit dem Podcast machen wir unterrepräsentierte Gruppen in der Schweizer Musikszene sichtbar – in all ihren Facetten.»

Frauen in der Musikbranche

In der Schweizer Musikszene sind Frauen gegenüber den männlichen Kollegen in der Minderheit: Der Anteil Musikerinnen auf Schweizer Bühnen beträgt laut Helvetiarockt gerade mal 11%, in der Musikproduktion sind es mit 2% sogar noch weniger.

Dies widerspiegelt sich auch beim Anteil weiblicher SUISA-Mitglieder: Dieser beträgt aktuell 19 Prozent. Auch wenn die Tendenz leicht steigend ist – in den letzten Jahren lag der Frauenanteil bei den Neumitgliedern der SUISA jeweils bei 21% (2018, 2019) respektive 23% (2020) und zuletzt im 2021 bei 26% Prozent –, so gibt es in der Schweizer Musikbranche verglichen zum weiblichen Bevölkerungsanteil von über 50 Prozent aber nach wie vor ein Ungleichgewicht.

Der Podcast von Helvetiarockt will diesen (noch) kleineren Teil der Musikschaffenden sichtbar machen und aufstrebende Musiker/innen auf ihrem Weg ins Musikbusiness unterstützen und stärken.

Die SUISA ist Partnerin von Helvetiarockt

Die SUISA ist Partnerin für die zweite Staffel von «Musicians in Conversation». Sie unterstützt Helvetiarockt seit 2019 im Rahmen eines Sponsoring-Engagements finanziell und hinsichtlich Visibilität.

Die zweite Staffel des Podcasts läuft ab Freitag, 7. Januar 2022 und erscheint zweiwöchentlich. In der ersten Episode des Helvetiarockt-Podcasts spricht die Musikerin und Tontechnikerin Anna Murphy über den kreativen Prozess beim Songwriting und ihren Weg zur Tontechnikerin – und ermuntert andere Frauen dazu, ebenfalls einen Weg in die Musikproduktion einzuschlagen.

Die Podcasts «Musicians in Conversation» von Helvetiarockt findet ihr hier:
www.helvetiarockt.ch/podcasts

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Unter dem Titel «Musicians in Conversation» lancierte Helvetiarockt, die Schweizer Koordinationsstelle und Vernetzungsplattform für Musikerinnen im Jazz, Pop und Rock, im Dezember 2020 eine Podcast-Reihe. Ab Freitag, 7. Januar 2022, läuft die zweite Staffel. Im Zentrum steht das Sichtbarmachen von Vorbildern sowie die Vernetzung innerhalb der Schweizer Musikszene. Die SUISA ist Partnerin der neuen Podcast-Reihe. Text von Giorgio Tebaldi

«Musicians in Conversation»: Podcast von Helvetiarockt

In der ersten Episode des Helvetiarockt-Podcasts spricht die Musikerin und Tontechnikerin Anna Murphy über den kreativen Prozess beim Songwriting und ihren Weg zur Tontechnikerin – und ermuntert andere Frauen dazu, ebenfalls einen Weg in die Musikproduktion einzuschlagen. (Foto: Valentina Mahler)

Anna Murphy, La Nefera, Jessiquoi und Jasmin Albash – dies sind einige der weiblichen, non-binären, trans oder intersex Musiker/innen und DJs, die in der zweiten Staffel des Podcasts «Musicians in Conversation» von Helvetiarockt zu…Weiterlesen